Shatter The Hotel: A Dub Inspired Tribute To Joe Strummer (2009)



Tracklist:
01. Dubmatix - London Calling (Album Version) [feat. Don Letts & Dan Donovan] (5:27)
02. Dub Antenna - White Riot (4:17)
03. Creation Rockers - Four Horsemen (2:54)
04. Nate Wize - Rock the Casbah (feat. Ammoye) (4:54)
05. John Brown's Body - Bankrobber (4:05)
06. Chomsky Allstars - Know Your Rights (3:41)
07. Wrongtom Meets Rockers - Lost in the Supermarket (3:41)
08. DubCats - Rudie Can't Fail (5:01)
09. Citizen Sound - One More Time (feat. Prince Blanco & Ammoye) (4:21)
10. Infantry Rockers - Rebel Waltz (3:59)
11. O'Luge & Kornerstrone All-Stars - Spanish Bombs (5:19)
12. Danny Michel - Straight to Hell (4:57)
13. Creation Rockers - Complete Control (5:43)
14. Dubmatix - London Calling (Roots Rock Version) [feat. Don Letts] (3:27)


Este proyecto de artistas y productores canadienses cuenta con la colaboración de amigos de Inglaterra, Escocia y USA. Los artistas que contribuyen han seleccionado canciones del Catálogo de Strummer & Jones (The Clash) y las han reinterpretado en estilo Dub. Los Tracks van desde Roots Dub hasta sonidos reggae contemporaneos que se mezclan con tonadas punk.
Este Tributo intenta explorar lo que una vez Joe Strummer describió como "interface Rasta-Punk".

Artistas participantes: Dubmatix, Don Letts, Creation Rockers, John Brown’s Body y el amigo personal de strummer y biógrafo Chris Salewicz.
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Bersuit Vergarabat - De La Cabeza


Si hay algo mejor que un buen disco de rock argentino, es un buen disco de rock argentino en vivo. Y de entre todos los discos en vivo de rock argentino que he escuchado, este es por lejos el que más me gusta. "De la Cabeza" (2002) es un disco maravilloso, con momentos de mucha energía (“Espíritu de esta Selva”, “La Bolsa”, “Se Viene”), otros muy emotivos (“El Tiempo no Para”, “Vuelos”), pasajes en que el público se toma el protagonismo coreando como si el mundo se fuera a acabar (“De la Cabeza”, “Señor Cobranza”) y momentos en que el público muestra las tetas (“Hociquito de Ratón”). Porque esa es la gracia del disco en vivo de rock argentino: captar toda esa energía futbolera que tiene el concierto, ese público que más que ir a ver a su banda la va a alentar, y por suerte este registro cumple muy bien esa tarea.

Pero si hay un momento sublime, que trasciende a todos los ya destacados y funciona como una unión de todas estas cualidades, esa es la hermosa “Murguita del Sur”. Pocas veces he escuchado algo más emocionante, muchísimo mejor que su versión en estudio, una interpretación perfecta que demuestra a cabalidad la tremenda calidad de la Bersuit. Uno de los mejores temas del rock contemporáneo argentino.

De la Cabeza
Bersuit Vergarabat
2002
Universal Music

www.bersuit.com

1. De la Cabeza
2. El Tiempo No Para
3. Danza De Los Muertos Pobres
4. El Viejo De Arriba
5. Espíritu De Esta Selva
6. Vuelos
7. Mi Caramelo
8. Un Pacto
9. Perro Amor Explota
10. Tuyu
11. Yo Tomo
12. Señor Cobranza [Las Manos de Filippi]
13. La Bolsa
14. Murguita del Sur
15. Se Viene
16. Hociquito De Ratón
Bonus Track: Diez Mil (20.000.000 de Pesos)
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Judgment Night



Con la excusa de musicalizar la película de acción de Stephen Hopkins “Judgment Night” (1993), varios artistas del mundillo del metal y el rock alternativo de la época como Slayer, Biohazard y Faith No More se reúnen con connotados raperos como Run D.M.C., House of Pain y Ice T. Como era de esperarse, esta cruza entre riffs estridentes y voces rapeadas hace el papel de 'eslabón perdido' del aggro metal, tal como puede verse en “Just Another Victim” de Helmet con House of Pain, o en la gangsta “Another Body Murdered", donde los guatones de Boo-Yaa TRIBE se reúnen en un gran dueto con Faith No More. Una entretenida colaboración masiva que, si bien tiene un componente de novedad, al alero del estilo cultivado por bandas como Helmet y Biohazard, y los mismos FNM, no es algo que sorprenda demasiado.

La novedad viene cuando a esta fiesta se suman bandas del grunge y el rock alternativo que en nuestro imaginario podrían estar totalmente ajenas a este menjunje, y si bien lo que suena acá es mucho más cercano al funk que al aggro metal, no deja de descolocar ver a Pearl Jam o Mudhoney haciendo dueto con Cypress Hill o Sir Mix-A-Lot. Así, todo nuestro orden mental musical SE VA A LA CRESTA cuando los ruidosos Sonic Youth se juntan con los ya mencionados Cypress Hill y se mandan una volada llamada “I Love You Mary Jane”, donde Kim Gordon se manda un dueto con B-Real, que hace que a uno no le quede más que preguntarse: ¿Cómo estos tipos no hicieron un grupo juntos antes? Una completa y drogada maravilla. O cuando los grunge Dinosaur Jr. se juntan con Del Tha Funkee Homosapien (el mismo que años más tarde aparecería en esa rareza llamada Gorillaz) y te das cuenta que la guitarra de J Mascis no puede ser más ad-hok a la funky “Missing Link”, que recuerda los mejores momentos de John Frusciante en Red Hot Chili Peppers. Im-per-di-ble.

“Judgment Night (OST)” es un disco bueno, entretenido y tan importante, que nos permite decir que Sonic Youth, Mudhoney, Pearl jam y Dinosaur Jr. también tuvieron algo que decir en el origen de la vilipendiada mezcla de rap y guitarras. Quién lo diría.

Judgment Night: Music From The Motion Picture
Varios Artistas
1993
Epic Records


1. Just Another Victim (Helmet + House of Pain)
2. Fallin' (Teenage Fanclub + De La Soul)
3. Me, Myself & My Microphone (Living Colour + Run D.M.C.)
4. Judgment Night (Biohazard + Onyx)
5. War/UK 82/Disorder (Slayer + Ice T)
6. Another Body Murdered (Faith No More + Boo-Yaa T.R.I.B.E.)
7. I Love You Mary Jane (Sonic Youth + Cypress Hill)
8. Freak Momma (Mudhoney + Sir Mix-A-Lot)
9. Missing Link (Dinosaur Jr. + Del tha Funkee Homosapien)
10. Come And Die (Therapy? + Fatal)
11. Real Thing (Pearl Jam + Cypress Hill)
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Dubamix - Mix A Dub

Dubamix es un dub de activismo con tintes anarquista en sus extractos encontramos discursos políticos que están integrados en el electro-dub. La propuesta apunta hacia la busqueda de un mundo regido por la ley del beneficio, las reivindicaciones de otros valores como la libertad, el intercambio y la solidaridad.



1 Acting Dub 4:43

2 Tango 5:08

3 DHG (Destruction Horaire Globale) 3:39

4 Dvordub 5:03

5 Haydub 3:59

6 CESECA 5:35

7 Rap in Dub 3:50

8 Manipub 5:58

9 CPE (Chirac Parisot Emerveillés) 4:32

10 Flashing Taser 5:24

11 Untitled 4:20

12 Acting Dub (LRU remix) 4:54
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Ivan Ivanovich & The Kreml Krauts - Begi Suka



Ivan Ivanovich & The Kreml Krauts
A bit of Ska, a hint of Russia and a spoonful of punk, pouring out of electric basses and guitars, french horn, a saxophone, and creeping over drums, an accordion and a violin. That's what Ivan Ivanovich & The Kreml Krauts dance to.

A violin and an accordion with a broken A-Major, bring you the sounds of eastern Europe. With a voice that over the years has been washed out by wine and Volga-water, Ivan Ivanovich & The Kreml Krauts sing songs about schnitzel, vodka and sorrow, while horn, drums, bass and guitar are entertaining your legs.

1 Deutsches Essen In Russland 2:37

2 Velosiped 2:35

3 Na Voksale 3:51

4 Begi Suka 3:45

5 Tschernyj Tschaj 4:25
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Bajalo pinche pollo.

Chill Carrier - Moving Off Ground



Started in around 2003, Chill Carrier soon became a place to save any chilly output of mine. Ranging from Lounge over Breakbeat and Triphop to just experimental tunes, it's a neverending process of musical evolution, influenced by almost everything I come across every day - people I meet, sounds I hear, things I see - it all somewhat sums up somewhere in my music.

1 A New Day 3:55

2 Surfing Clouds 4:34

3 Star Train 3:25

4 Taking Off 6:18

5 Me And My Rocket 5:06

6 Sailing On Sunrays 4:21

7 An Endless Road 4:34

8 The Long Way Home 5:39

9 Reaching Earth 5:11

10 Moving Off Ground 5:30
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Antony Raijekov - JAZZ U

Antony Raijekov is an artist, composer and open culture activist from Bulgaria. Since 1997 he is producing mellow downtempo-style music which he distributes under the creative commons license.



1 Deep blue (2005) 3:22

2 Moment of Green (2005) 2:47

3 Go 'n' Drop (2003) 2:50

4 Drop of whisper (2005) 3:09

5 Ambient-M (2003) 4:17

6 Don-ki-Not (2003) 7:01

7 EXIT 65 (2005) 5:28

8 Chillout me (2004) 3:47

9 Lightout (2003) 5:03

10 Fidder (2004) 2:42

11 While We Walk (2004) 3:11

12 By the Coast (2004) 3:04
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This Is England


El cine británico siempre ha retratado con gran maestría su propia sociedad. Más allá de lo que algunos pretenden otorgar a algunos directores españoles, películas como Full Monty, Trainspotting, o This Is England, muestran una sociedad realista, sin tapujos, con todo lo bueno y lo malo que tiene para ofrecer. Si en el primera eran los parados de la industria del metal de Yorkshire, y en la segunda eran los adictos a la heroína de Edimburgo, en el film que nos ocupa son los skinheads de un pueblo costero los protagonistas de la historia. Estamos en 1983, y los colegios están de vacaciones. Mientras Lady Di y el Príncipe Carlos se casaban, Margareth Thatcher se cargaba la economía del país y miles de adolescentes se partían la cabeza intentado resolver el cubo de Rubik, Shaun que tiene 12 años, es un niño solitario que crece en un pueblo costero muy gris, cuyo padre ha muerto en combate en la guerra de Las Malvinas. En el transcurso de esas vacaciones, encuentra nuevos modelos masculinos cuando le “adoptan” los cabezas rapadas locales. Con sus nuevos amigos, Shaun descubre un mundo de fiestas, conoce su primer amor y descubre los encantos de las botas Dr. Martins. Es entonces cuando conoce a Combo un skin racista, mayor que él, que acaba de salir de la cárcel. Mientras la banda de Combo acosa a las minorías étnicas locales, todo parece preparado para el arranque de un proceso de maduración que llevará a Shaun de la inocencia a la experiencia. En la película también podemos ver como tristemente la entrada de la política por parte de partidos como el nacional Front dividieron el movimiento skinhead, en Skinheads Tradicionales que no son racistas ni participan de ningún partido político, y como surgen los llamados Skinhead políticos que siguen ideologías de grupos políticos y algunos de ellos con ideas racistas. Tremendamente realista en su reflejo de la sociedad, e incómodamente descarnada en su ejecución, este viaje por las experiencias que bordean la moralidad, la ética e incluso la legalidad, supone un estimulante ejercicio que, cercano a la narrativa de documental, refleja, más que la vida y obra de un grupo social, el estado de ánimo de todo un país, un grito de socorro, una situación difícil para una sociedad peculiar reflejada por uno de sus sectores más incendiarios.

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Jazzbo - Hoy


Nuevo disco de la sensación del Jazz Ska de Berlin. Seis músicos tocando en acústico y en directo Jazz Ska y grabando
como en los 60: tocando en directo en el estudio con unos pocos micrófonos de ambiente, ese es su secreto para conseguir este sonido tan personal! Este nuevo disco solamente se edita en vinilo rojo de 10, una edición limitada a 500 copias: una pieza de coleccionista.
Este vinilo consta de seis canciones: cuatro composiciones propias además de dos jazz standards interpretados en su personal estilo Ska y Rocksteady tal como lo haría una típica formación de Jazz. Seis nuevas canciones nunca antes escuchadas, ritmos reggae, apasionados pasajes de Rock Steady y Ska tradicional al estilo JazzBo. Todo esto empaquetado con el diseño inconfundible de los miembros del grupo, haciendo referencia a su última gira por Brasil, Hoy: straightforward true ska-jazz from Berlin - Jazzbo!
Músicos
Waki Johannsen (trombon) y
Detwin Johannsen (saxo)
Los legendarios hermanos
Johannsen. Desde los 60 han estado
tocando en diferentes bandas de
New Orleans Jazz y en 1979
fundaron la banda pionera de ska
tradicional Yebo.
Han sido músicos de: Derrick
Morgan, The Skatalites, Laurel
Aitken, Rico, etc.
Fabian Astor (saxo)
El último JazzBo (desde Marzo de
2008), antes había tocado en grupos
mexicanos como Los Yerberos y en
Berlin con bandas de reggae como
Tribal Notes y Growing Tree.
Robert Schwill (batería).
Fundador de los Skampis (1988-95),
batería de Time Tough (1995-00) y
Mother`s Pride, con el inigualable
ritmo R&B - off beat tocado al estilo
tradicional jamaicano.
Daniel Dückers (piano).
Fudador de Engine 54 (1992-98),
cantante y compositor de la banda de
rock steady Time Tough (1995-00),
organista de Yebo (desde 1995) y
Lions Club / The Butlers, Ha sido
músico de: Toots & the Maytals,
Laurel Aitken, Makka B., Desmond
Dekker, The Skatalites ...
Martin Bartels (contrabajo).
Fundador de la banda de Berlin de
reggae - rocksteady - jamaican jazz
Wood In Di Fire, con un montón de
gias internacionales. Su walking bass
representa la tadición del American
R&B y el ritmo jamaicano.


Track List:

1 - Hoy: JazzBo!
2 - Playtime
3 - One For Daddy-O
4 - Ameropafrique
5 - Reggae B. Good
6 - Don Toni
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Harry J All Stars - The Liquidator (1969)


Les dejo este clásico del early reggae.
01. Jack The Ripper
02. The Big Three
03. My Cherie Amour
04. Liquidator
05. Don't Let Me Down
06. Spyrone
07. Reach For The Sky
08. Interrogator
09. Moonwalk
10. Eleong
11. Je T'aime
12. The Dog
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LOS INTOCABLES-LOS INTOCABLES


INTEGRANTES:
JUAN VELAZQUEZ: Voz, SEBASTIAN “Sebolla” PARADISI: Batería, MARCELO “Bebe” FERREIRA: Trombón, ROMAN KROUK: Bajo, GUILLERMO
RANGONE: Trompeta y Flugelhorn, LUCIANO ESPINOSA: Guitarra y Coros, MANECO: Guitarras GUILLERMO “La Hiena” SORIANO: Percusión,
ARIEL TENENBAUM: Saxo Tenor.

Luego de mutar el nombre de Los Alcaloides a Los Intocables, y con el asesoramiento técnico de Alejandro Mateos, terminaron de grabar su placa debut en el estudio Moebio en junio de 1987. Como músico invitado participó Fidel (de Todos Tus Muertos), y Gabi (de Los Fabulosos Cadillacs). El hit fue "El se llama Don José" y, en menor medida, "No hay futuro".
El segundo disco, "Antihéroes" (1988), no repitió el éxito. Clody dejó la banda, y con ella también emigró la sección de vientos. Continuaron presentándose en pubs porteños, pero no consiguieron renovar el contrato de grabación.
En el 2004 editaron "Babilonia", un nuevo disco que contiene doce temas, entre ellos algunos viejos clásicos.

Discografía:
Los Intocables , 1987
Antihéroes, 1988
Babilonia, 2004
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Emir Kusturica and The No Smoking Orchestra - Life Is A Miracle [2004]



1. In the Beginning
2. Evergreen
3. Wanted Man
4. Kiss the Mother
5. Moldavian Song
6. Vasja
7. Dying Song
8. Looking For Luka
9. Ovo je muski svet
10. Fatal Wounds
11. Who Killed The D.J.
12. Karakaj
13. The Waterfall
14. Gladno Srce
15. Looking For Sabaha
16. When Life was A Miracle
17. Moldavian Song
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The Toasters en Guadalajara, 31 de enero 2010.

Los Toasters fueron fundados en 1983 en el East Side de Manhattan por el inglés Rob OBucket, Hingley. Se puede considerar a Toasters como el máximo exponente del Ska de los EE.UU. en general y de Nuva York en particular. Con una mezcla de influencias culturales y estilos, la banda ha conseguido imprimir a sus numerosos trabajos un sello personal inconfundible. Fiel reflejo del ambiente multicultural y multirracial de su ciudad, Toasters nos ofrecen una adrenalínica mezcla de Worl-Beat, Soul, Rap, Reggae y Ska con influencias del Rock y el Punk. El resultado es una mezcla altamente explosiva de música para bailar denominada por la propia banda como "East-Side-Beat". Una personalidad tan relevante como el propio Joe Jackson quedó tan impresionado con la banda que llegó a producirles su primer álbum "New York Ska Fever" e incluso a aparecer como invitado estelar en numerosos conciertos de su primera época. Nos encontramos ante la banda más prolífica en directo de la escena skatalítica mundial. Con más de 500 conciertos a sus espaldas han conseguido un público fiel y son considerados una banda de culto en todo el mundo.

Son los auténticos padres del ska norteamericano remontándose sus orígenes a principios de los 80. Una banda referente para todas las agrupaciones surgidas con posteridad (Mighty Mighty Bosstones, Easy Big Fella.) al otro lado del charco.
Cuando el cantante y guitarrista Robert 'Bucklet' Hingley llegó a EEUU desde su Inglaterra natal se trajo consigo todas las influencias del emblemático sello 2Tone (Selecter, Madness, Specials.) que había degustado desde finales de los 70. Sin ningún tipo de escena skatalitica en su país de destino, decidió formar a los Toasters e imprimirles un estilo propio, el 'East Side Beat', con potente sección de vientos y su particular visión urbanita del género. Al apoyo en sus inicios del mismísimo Joe JacksonMoon Ska Records.
Trece álbumes editados hasta la fecha, entre los que se incluyen grandes trabajos como 'Don't Let The Bastards Grind You Down', 'New York Fever', 'Dub 54' o su última entrega 'Enemy Of The System'.
Un grupo imprescindible para entender la evolución del ska durante los últimos 20 años al otro lado del charco. siguió la creación por parte de Bucklet de uno de los más importantes sellos de ska americano de la actualidad

Para suerte de los oyentes mexicanos, the toasters vendrán a México (Guadalajara) y para complaciencia del público los boletos ya están a la venta. Puedes adquirirlos a partir del viernes 11 de diciembre en todas las tiendas mr cd , pop shop , antifashion , natashop y tianguis cultural. Aprovecha la preventa especial solo hasta el 9 de enero $100 pesos. Visita www.myspace.com/rebelionproduce para mayor información.

The Godfather (1972 - Nino Rota)



Nino Rota es conocido y recordado sobre todo por ser el encargado de la música de las películas del director de cine, también italiano, Federico Fellini. Su música suele ser delicada y marcádamente romántica, destacando especialmente sus secciones de viento-madera y cuerdas. También dominó a la perfección la composición para voz.

Para el Oscar estuvo nominada la partitura de Nino Rota de El padrino en 1972, pero la Academia la cambió por la La huella de John Addison debido a que la música había sido utilizada por Rota en otra película, Fortunella (1958). Sin embargo, la música desegunda parte de El padrino, compuesta por Nino Rota junto a la mínima aportación de Carmine Coppola, padre de Francis Ford Coppola, fue nominada y ganadora del Oscar dos años después.





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T-Square - Harmony (1993)


Existen muchos grupos de calidad que para completar su exitosa carrera musical se animan a "sinfonizar" su música. Este es el caso de bandas como Scorpions, ABBA, Pink Floyd o en este caso la banda japonesa T-Square.

Estos cuatro grupos tienen en común que la filarmónica que acompaña en esta aventura es, ni mas ni menos que, la Royal Philharmonic Orchestra de Londres.

En "Harmony" todo será diferente en T-Square, el jazz fusion y progresivo característico de la banda se reduce, y nos ofrecerán cortes de música clásica de estilo contemporáneo como "Good-Bye Blue Wind", "Human" (para mi el final del track es un subidón) o "Tomorrow´s Affair" (la cual suena muy potente), composiciones de cabaret como "Banana" o temas más jazz fusion como "Rainbow". Pero sin duda, y al menos para mi, el mejor tema es la bella "Play For You" de estilo romanticista, sobre todo en la parte en la que entra Masato Honda con el saxo soprano, como si de un violín se tratara.

Espero que lo disfruten


1. Tomorrow´s Affair
2. Play for You
3. Banana
4. Memories of Alice
5. Huma
6. Good Bye Blue Wind
7. Rainbow
8. Tomorrow´s Affair(reprise)

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Sly and The Family Stone - Stand! (1969)


Quien desee conocer los inicios del funk, debe escuchar obligatoriamente a esta banda.

Sly and The Family Stone, fue una banda de funk de San Francisco(USA) liderada por el cantante Sly (entre los miembros estaba el bajista Larry Graham, inventor de la técnica del Slap) y que estuvo activa por periodos entre 1967 y 1983. Este grupo consiguió éxito muy rápidamente, sobre todo con el cd que os "regalo", "Stand!".

Después del éxito conseguido con este álbum, las problemas con las drogas y los enfrentamientos internos del grupo hicieron que muchos miembros del grupo se fueran o que la inspiración creativa se redujera enormemente. Debido a esto Sly en 1975 decidió disolver la banda. En los siguientes años Sly siguió publicando sus trabajos donde él tocaba todos los instrumentos. De todas formas estas nuevas grabaciones no gozaron del éxito que lograra a finales de los 60.

Con este album, como ya comenté anteriormente, lograron un enorme éxito. El grupo practicó siempre un funk psicodélico con influencias tan variopintas como el jazz, el rock o el soul. Un álbum para conocer la evolución del funk en la historia de la música.

1. "Stand!"
2. "Don't Call Me Nigger, Whitey"
3. "I Want to Take You Higher"
4. "Somebody's Watching You"
5. "Sing a Simple Song"
6. "Everyday People"
7. "Sex Machine"
8. "You Can Make It If You Try"


Sly Stone: Voz, órgano, guitarra, piano, harmónica y bajo
Freddie Stone: Voz y bajo
Larry Graham: Voz y bajo
Rose Stone: Voz, teclado y piano
Cynthia Robinson: Trompeta y coros
Jerry Martini: Saxo y coros
Greg Errico: Batería y coros
Little Sister (Vet Stone, Mary McCreary, Elva Mouton): Voces

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La grandeza de Yasir Arafat, por Gilles Deleuze



Gilles Deleuze escribió este texto en 1983, un año después de la salida de la OLP de Beirut y de la matanza de Sabra y Chatila. Su análisis clarividente de la encrucijada en que se hallaba entonces la OLP y la denuncia de la continuidad del proyecto sionista de colonización de Palestina continúan siendo hoy, más de veinticinco años después, igual de actuales. Hoy, como entonces, la alternativa al exterminio del pueblo palestino reside en una Autoridad Nacional fuerte y cohesionada que haga frente a la sistemática política israelí de sabotear cualquier posibilidad de solución del conflicto.

La causa palestina es ante todo el conjunto de las injusticias que este pueblo ha padecido y sigue padeciendo. Estas injusticias son los actos de violencia pero también las sinrazones, los falsos razonamientos, las falsas garantías con que se les pretende compensar y justificar. Arafat no ha usado más que una palabra para hablar de las promesas incumplidas, de los compromisos violados, tras las masacres de Sabra y Chatila: shame, shame.

Se dice que no es un genocidio. Sin embargo, es una historia que, desde el principio, tiene mucho de Oradour.* El terrorismo sionista no se dirigía únicamente contra los ingleses, sino contra los pueblos árabes que tenían que desaparecer; el Irgún fue muy activo en este sentido (Deir Yassine).** En todos los casos se trata de hacer como si el pueblo palestino no solamente no debiera existir, sino que no hubiera existido nunca.

Los conquistadores eran quienes habían padecido ellos mismos el mayor genocidio de la historia. Los sionistas hicieron de este genocidio un mal absoluto. Pero transformar el mayor genocidio de la historia en mal absoluto es una visión religiosa y mística, no una visión histórica. Esta visión no detiene el mal; al contrario, lo propaga, lo hace recaer sobre otros inocentes, exige una reparación que hace sufrir a otros una parte de lo que los judíos han sufrido (expulsión, asilamiento en el gueto, desaparición como pueblo). Con medios más “fríos” que los del genocidio, se trata de llegar al mismo resultado.

Los EE.UU. y Europa les debían a los judíos una reparación. Y esta reparación se la hicieron pagar a un pueblo del cual lo menos que puede decirse es que no tenía nada que ver con ella, que era singularmente inocente de todo holocausto y que ni siquiera había oído hablar de él. El sionismo, y después el Estado de Israel, exigieron a los palestinos reconocimiento jurídico. Pero él mismo, el Estado de Israel, no ha dejado de negar el hecho mismo de la existencia del pueblo palestino. Nunca se habla de palestinos, sino de árabes de Palestina, como si hubiesen estado allí por casualidad o por error. Luego se hará como si los palestinos expulsados viniesen de otro lugar, nunca se mencionará la primera guerra de resistencia que llevaron a cabo completamente solos. Se hará de ellos los descendientes de Hitler, puesto que no reconocen a Israel su derecho. Pero Israel se reserva el derecho de negar su existencia de hecho. Aquí comienza una ficción que cada vez se extenderá más, y que pesará sobre todos los defensores de la causa palestina. Esta ficción, que es una apuesta de Israel, consistía en hacer pasar por antisemitas a cuantos pusieran objeciones a los hechos y a las acciones del Estado sionista. La fuente de esta operación fue la fría política de Israel con respecto a los palestinos.

Desde el comienzo, Israel no ha ocultado su propósito: vaciar el territorio palestino. Aún más: hacer como si el territorio palestino estuviera vacío, destinado desde siempre a los sionistas. Se trataba de una colonización, pero no en el sentido europeo del siglo XIX: no se quería explotar a los nativos, se les quería expulsar. Quienes se resistieran a ello no se convertirían en una mano de obra dependiente del territorio, sino en una mano de obra volante y desarraigada, como si se tratase de inmigrantes reunidos en un gueto. Desde el principio se trató de ocupar las tierras como si estuviesen desiertas o pudiesen vaciarse. Es un genocidio, pero el exterminio físico está subordinado en este caso a la evacuación geográfica: al no ser más que árabes en general, los palestinos supervivientes deben fundirse con el resto de los árabes. El exterminio físico, aunque se confíe a mercenarios, no deja de estar presente. Pero se alega que no es un genocidio, ya que no se trata de la “solución final”: en efecto, es un medio entre otros. La complicidad de los EE.UU. con Israel no procede únicamente del poder de un lobby sionista. Elias Sanbar ha mostrado perfectamente que los EE.UU. han encontrado en Israel un aspecto de su historia: el exterminio de los indios que, también en este caso, sólo en parte fue directamente físico. Se trataba de vaciar, de hacer como si nunca hubiese habido indios más que en guetos, lo que hacía de ellos otros inmigrantes interiores más. En muchos aspectos, los palestinos son los nuevos indios, los indios de Israel. El análisis marxista indica estos dos movimientos complementarios del capitalismo: imponerse constantemente límites en cuyo interior despliega y explota su propio sistema; desplazar cada vez más lejos estos límites, rebasarlos para volver a emprender a mayor escala o con mayor intensidad su propia fundación. Desplazar los límites: ésta fue la acción del capitalismo americano, del sueño americano, que ha sido recuperado por Israel y por el sueño del Gran Israel en territorio árabe y a costa de los árabes.

¿Cómo ha podido el pueblo palestino resistir, cómo resiste aún? ¿Cómo ha pasado de ser una sociedad de linajes a convertirse en una nación armada? ¿Cómo se ha dado a sí mismo un organismo que no simplemente le representa sino que lo encarna, aún sin territorio y sin Estado? Hacía falta un personaje histórico que, desde el punto de vista occidental, se diría salido de Shakespeare, y ése fue Arafat. No es la primera vez en la historia (los franceses pueden pensar en la Francia libre, con la diferencia de que al principio contaba con menos base popular). Y lo que tampoco ha ocurrido por primera vez en la historia es que en cada ocasión en que ha sido posible una solución o un elemento para la solución los israelíes la han destruido deliberada y sistemáticamente. Apelaban a su posición religiosa para negar, no ya el derecho, sino incluso el hecho palestino. Se desentendían de su propio terrorismo tratando a los palestinos como terroristas llegados del exterior. Y, precisamente porque los palestinos no eran tal cosa, sino un pueblo específico, tan diferente del resto de los árabes como pueden serlo entre sí los pueblos de Europa, no podían esperar de los propios Estados árabes más que una ayuda ambigua, que a veces se convertía en hostilidad y exterminio, cuando el modelo palestino se volvía peligroso para ellos. Los palestinos han recorrido todos los círculos infernales de la historia: el abandono de las soluciones cada vez que eran posibles, las peores inversiones de las alianzas en las que habían puesto su confianza, el incumplimiento de las promesas más solemnes... Y su resistencia ha tenido que alimentarse de todo ello.

Puede que uno de los objetivos de las masacres de Sabra y Chatila haya sido el de desprestigiar a Arafat. No había dado su consentimiento a la partida de los combatientes, cuya fuerza seguía intacta, más que a cambio de que la seguridad de sus familias quedase absolutamente garantizada por los EE.UU. e incluso por Israel. Después de las masacres, no quedaba más palabra que “shame”. Si la crisis de la OLP que se va a producir tuviera como resultado a plazo medio, ya fuera la integración en un Estado árabe, ya la disolución en el integrismo musulmán, entonces podría decirse que el pueblo palestino ha desaparecido efectivamente. Pero ello ocurriría con tales condiciones que el mundo, los EE.UU. y hasta Israel no dejarían de lamentar las ocasiones perdidas, incluyendo las que aún son posibles en este momento. A la fórmula orgullosa de Israel (“Nosotros no somos un pueblo como los demás”) ha respondido siempre el grito palestino, invocado en el primer número de la Revue d’études palestiniennes: somos un pueblo como los demás, no queremos ser otra cosa...

Al emprender la guerra terrorista del Líbano, Israel ha intentado suprimir a la OLP y privar al pueblo palestino de su soporte, tras haberle privado de su tierra. Y puede que lo haya conseguido, porque en la Trípoli sitiada sólo quedaba la presencia física de Arafat entre los suyos, todos sumidos en una especie de grandeza solitaria. Pero el pueblo palestino no perderá su identidad más que provocando en su lugar un doble terrorismo, de Estado y de religión, que se beneficiará de su desaparición y que hará imposible todo acuerdo de paz con Israel. De la guerra del Líbano Israel no saldrá sólo moralmente desunido y económicamente desorganizado, sino que se enfrentará a la imagen invertida de su propia intolerancia. Una solución política, un compromiso pacífico sólo es posible con una OLP independiente, que no haya desaparecido en uno de los Estados existentes y que no se disuelva en los distintos movimientos islámicos. La desaparición de la OLP sólo sería una victoria de las fuerzas ciegas de la guerra, indiferentes a la supervivencia del pueblo palestino.

* Oradour es una pequeña localidad francesa en la cual, durante la ocupación alemana, el cuarto regimiento de granaderos del Führer, que invadió por sorpresa el pueblo, masacró a la práctica totalidad de la población indefensa: casi doscientos varones, más de doscientos niños y unas doscientas cuarenta mujeres.
** Brazo armado del movimiento extremista fundado por Vladimir Jabotinsky (también fundador del Likud). El Irgún, dirigido luego por Menahem Beguin, desarrollaba acciones tanto contra el movimiento nacional árabe palestino como contra la administración británica. En concreto, es responsable de la matanza de un pueblo palestino de los arrabales de Jerusalén (Deir Yassine) en 1948 y del atentado contra el hotel King David, que entonces era la sede del Mandato Británico en Jerusalén.

Revue d’études palestiniennes, nº 10, invierno de 1984 (el texto está fechado en septiembre de 1983).

Texto recogido en: Gilles Deleuze, Dos regímenes de locos. Textos y entrevistas (1975-1995), traducción de José Luis Pardo, Valencia, Pre-Textos, 2007.

Glen Matlock en Pasaguero

Proveniente de la que quizá sea la banda de punk más exitosa de la histora Glen Matlock, compositor de los Sex Pistols, estará presentando un set acústico en el Pasagüero, haciendo un pequeño escalón en su gira americana.

Por si fuera poco el evento contará con la presencia de Jesse Murphy de Brazilian Girls en los discos y como actos soporte, Joe Volume y los Vicent Black Shadows.

Una buena opción que sale un poco de lo que se acostumbra ver en la ciudad para pasar la noche de sábado si lo de ustedes no es Pitbull y los Black Eyed Peas.

Así será en 10 años


Greenpeace colocó una serie de carteles en el aeropuerto de Copenhague, Dinamarca, en vísperas de la cumbre sobre cambio climático que se realizará en esa ciudad. En las imágenes, los principales líderes del mundo como: Barack Obama, Dimitri Medvediev, Gordon Brown, Angela Merkel, Stephen Harper, Nicolas Sarkozy, José Luis Rodríguez Zapatero y Luiz Inacio Lula da Silva, aparecen como se verían en 2020, envejecidos y disculpándose por su fracaso en ese tema. Se lee: Lo siento. Podríamos haber detenido un cambio climático catastrófico... no lo hicimos.

Yeah Yeah Yeahs en México


Los Yeah Yeah Yeahs regresarán a México en el 2010 como parte de la gira promocional de su más reciente producción It´s Blitz!.
El trío presentará dos conciertos en las ciudades de Guadalajara y México, el 25 y 27 de enero respectivamente. La preventa será los días 26 y 27 de noviembre, mientras que la venta general comenzará un día después, a través de los lugares de costumbre.
En cuanto a los precios, éstos irán de 380 a 880 pesos en el Teatro Diana de Guadalajara, mientras que en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México estarán entre los 310 y los 800 pesos.
att: ZMORF®

Fantastic Fest 2009

Fantastic Fest 2009

Gogol Bordello lanza llamado a rebelarse contra el aislamiento

Con un punk auténtico se presentó por primera vez en México

Eugene Hütz, líder de Gogol Bordello *Foto Yazmín Ortega Cortés

Este viernes por la noche en el Palacio de los Deportes tuvo lugar una gran fiesta en la que miles bailaron al compás de ritmos provenientes, sin exagerar, de medio mundo: el encuentro de la música de Europa del Este con la rebeldía del punk británico, con Gogol Bordello; el ska originado en Jamaica entonado por la agrupación argentina Los Auténticos Decadentes; el reggae, también nacido en la isla caribeña, cantado por el grupo chileno Gondwana y cuya inspiración original fue la banda inglesa The Police; y los ritmos enfocados en Europa del Este, pero con un giro rockero experimental, interpretado por la banda Polka Madre, cuyos integrantes provienen de México, Finlandia y Estados Unidos.

"¡La comunidad es lo que importa, mi amigo!", exclamó en inglés el ucraniano Eugene Hütz, vocalista de Gogol Bordello, antes de arrancar con la punk Tribal Connection, una convocatoria a estar vivo, a rebelarse contra el aislamiento y un llamado a ser comunidad y celebrar: "Vamos a transformar la frustración en inspiración/ los demonios que haya, los vamos a liberar... Quiero caminar esta tierra como si fuera mía/ y también lo quieren todos en nuestra tribu amante de pasarla bien/ ¿de verdad es demasiado pedir?/ de todos estos cabrones feudales nazi".

La banda tiene base en Nueva York (aunque desde hace unos años su vocalista vive en Río de Janeiro) y está integrada por músicos de varios países, desde Israel hasta Ecuador. Había habido dudas de qué tan conocido era en México, donde nunca se había presentado (estaba programado para el Vive Latino 09, pero debido a que el festival se pospuso por la crisis sanitaria, ya no vino). Esa noche quedó claro que tiene un nutrido grupo de seguidores que estaban ansiosos por verlo. Un chavo de tal vez 17 años, de mirada dulce y que sonreía a cada rato, justo antes de que saliera Gogol Bordello, le dijo a la amiga que lo acompañaba, "Ya estoy arañando...", las paredes, se entendió por el gesto que hizo con las manos. Al parecer, la popularidad de la banda ha crecido por recomendaciones de amigos e Internet.

Todo el ska de Los Auténticos Decadentes

El nombre Gogol Bordello proviene del escritor Nikolai Gogol, del cual Hütz es un gran admirador (escribió el prólogo a una reciente edición de la novela histórica Taras Bulba) y de la palabra "burdel".
"Comienza a vestirte de violeta, toda tu cordura e inteligencia desaparecerán, te lo prometo", rapeo en español Pedro Erazo, el mc y percusionista ecuatoriano, al inicio de Start wearing purple, la más famosa canción de la agrupación, que se ha vuelto una especie de himno fiestero en muchos países y que fue compuesta por Hütz como un tema de amor. La celebración al frente de la pista llegó a su clímax, con cientos bailando juntos, brazos al aire, brincando al ritmo de ésto que recuerda la rebeldía auténtica del punk.

La fiesta, con un público cuya gran mayoría era joven y que no alcanzó a llenar el Palacio de los Deportes, culminó con el grupo principal de la noche. Los Auténticos Decadentes comenzó a tropezones: los primeros 20 minutos estuvieron dedicados a piezas del nuevo disco del guitarrista y principal compositor de la banda, Jorge Serrano, domesticadas y lentas después de la pura y cruda energía de Gogol Bordello. Los miles de seguidores le propinaron una rechifla y gritos de "culeeero". Sin inmutarse, continuaron. El público se prendió hasta que arrancaron con las canciones propiamente de Los Auténticos Decandentes, la gran mayoría éxitos, comenzando por Somos, una animada pieza skasera: "Somos como somos, decadentes, así somos".

A partir de ahí, todo fue festejo, con gente en la pista que formaba culebras y bailaba entre el público.

Antes, la banda chilena Gondwana trajo reggae y el público en la pista parecía un mar que se movía con el vaivén del ritmo caribeño, con sabor sudamericano. Un par de amigos se abrazaron. Hoy, tantas sonrisas, ¿dónde más se pueden encontrar reunidas? Y como resultaría imposible meterse entre la gente para prohibirles fumar, quizá sea el único recinto cerrado de conciertos masivos donde la gente baila con cigarrillo en la mano.

Polka Madre arrancó la celebración que duró más de cuatro horas. Calentó los motores de la fiesta con su potente ritmo que se nutre fundamentalmente de Europa del Este y Escandinavia y del rock, para hacer piezas desde festivas y alocadas hasta valses melancólicos, con el contraste de la profunda voz masculina y la aguda femenina, y aires circenses. Esta agrupación participó este año en el reconocido festival Glastonbury, en Inglaterra.

Tania Molina Ramírez, La jornada, "Gogol Bordello lanza llamado a rebelarse contra el aislamiento", 22 de noviembre del 2009.

Poner fin al oscurantismo oficial, pide John Womack

El historiador recibe la Medalla 1808 y la cede al SME, "organización valiente"
México exige una reorganización política profunda y responsable: John Womack

La ceremonia de entrega de la Medalla 1808 a los historiadores John Womack y Eric Van Young, en el antiguo Palacio del Ayuntamiento del Gobierno del Distrito Federal (GDF), devino acto de apoyo al Sindicato Mexicano de Electricistas (SME).

Womack cedió el galardón al gremio, y en un texto leído por la investigadora de El Colegio de México Alicia Hérnández Chávez señaló que es la "organización más importante, más valiente que se formó en esta ciudad durante las guerras revolucionarias de principios del siglo pasado".

Deploró el "oscurantismo" del gobierno federal. Advirtió que "sería de ciegos ocultar lo obvio: que el México contemporáneo exige una reorganización política profunda y responsable", con "una limpia de todos los extremos del nudo, y no de uno solo".

A su vez, Marcelo Ebrard, jefe del GDF, convino con lo expresado por Womack. Aseveró que no se requiere ser historiador para coincidir, y advirtió que es una señal "preocupante, ominosa", la desaparición "forzosa, arbitraria, o al menos eso se busca, de una organización sindical formada al inicio del siglo pasado, al calor de las luchas revolucionarias de entonces". La liquidación "otra vez da cuenta de la ignorancia de la historia y el desprecio a los movimientos sociales que explican al México de hoy".

Van Young, autor de La otra rebelión. La lucha por la Independencia de México, 1810-1821, compartió algunas anécdotas de sus prolongadas estancias en el país, donde sus colegas mexicanos le han significado apoyo, inspiración, crítica constructiva y "un número no insignificante de crudas serias".

A continuación, el texto completo de John Womack:

Estimados miembros del Comité de Premiación de Historia.

Estimado jefe de Gobierno, licenciado Marcelo Ebrard.

Estimado doctor Enrique Márquez.

Colegas y amigos:

Agradezco el honor del premio, Medalla 1808, que el comité me otorga. Acepto la distinción, no por pensar que mi trabajo me hiciera merecedor de un premio, sino por el amor que siento para esta gran ciudad, la mayor y más tremenda que yo conozca. Mayor por su grandeza cuando en 1808, preso el rey español en Francia, el Cabildo Metropolitano asumió la representación política de toda la Nueva España en defensa de su soberanía.

Tremenda capital de la nación por la eclosión y crisol de sus profundas e inaceptables contradicciones. Recibo la Medalla 1808 en nombre de tantos personajes y eventos históricos por los cuales siento un profundo e inagotable respeto.

Ángel Bolaños, La Jornada, Sábado 21 de noviembre de 2009, p. 7.

La próxima semana arranca “SciFantasy 2009: Ensueño”


El próximo jueves 26 de noviembre inicia “SciFantasy 2009: Ensueño. Festival de Ciencia Ficción y Fantasía en Cine y Video de la Ciudad de México”. Como su nombre lo indica, este festival (ahora en su segunda edición) es un espacio independiente, creado para exhibir los trabajos cinematográficos más relevantes a nivel nacional e internacional, de ciencia ficción y fantasía.

Este año, el festival promete superar las expectativas generadas el año pasado, empezando con su cinta inaugural: “2033”, película mexicana de ciencia ficción que se estrenará nacionalmente el próximo año, y que este festival tendrá en una premier exclusiva el jueves 26, a las siete de la noche en Cinemark Reforma 222.

Otra de las cintas estelares de este festival es “Man From Earth”, la última película escrita por Jerome Bixby (guionista de la serie original de “Viaje a las Estrellas” y la clásica “Viaje Fantástico”) antes de su muerte. También se ha planeado una pequeña retrospectiva de Leopoldo Laborde (“Angeluz”, “Nathael”, “Utopia 7”), joven cineasta independiente, además de la presentación de “Ultratoxic”, película argentina de cyberpunk.

A esto hay que añadir la exhibición de cortometrajes (“Voodo Bayou”), producciones independientes (“Acné”), clásicos nacionales (“Pedro Páramo”) y funciones al aire libre (en colaboración con el festival “El Cine a las Calles”). Todos los horarios y actividades del festival podrán consultarlos en su página oficial. Vayan haciendo espacio en sus agendas.
Consultar programación.

Paradojas de la ultraviolencia

La naranja mecánica (A Clockwork Orange). Stanley Kubrick, EUA - Reino Unido, 1971
Por José Miguel Viña Hernández


El mecanismo sigue intacto. Sus casi cuarenta años no han conseguido oxidarlo. Sigue emanando un zumo de sabor ambiguamente amargo, como la condición humana. Su atemporalidad convierte a La naranja mecánica (A clockwork orange) en un legado generacional. Cuando se cumplen diez años de la muerte de Kubrick, la película vuelve a las salas españolas, coincidiendo con el reciente homenaje que el Festival de Sitges ha brindado a su actor protagonista, Malcolm McDowell.

La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1971) toma como punto de partida la novela, del mismo nombre, que Anthony Burgess consigue publicar en 1962. La adaptación cinematográfica sorprende por su fidelidad extrema a un texto no exento de polémica. Pese a todo, el mensaje cinematográfico y la "moraleja" literaria difieren diametralmente. En una edición reciente (Barcelona, Ediciones Minotauro, 2008), prologada por el autor, Burgess señala la lectura inadecuada que finalmente ha pervivido en el imaginario colectivo. La novela se estructuraba en veintiún capítulos, y así vio la luz en Europa. La edición norteamericana prescindía del último capítulo, donde se manifestaba un giro radical en la conducta de Alex, una llamada a la integración social y al rechazo a la violencia. Años después, el proyecto encabezado por Kubrick adapta el texto publicado en los EE.UU., omitiendo el happy-end que originariamente concibió Burgess. En cualquier caso, la obra cinematográfica es un claro exponente distópico, como lo es 1984 (Orwell), inmune a la esperanza. La novela transita con exceso de velocidad hacia la utopía.

En La naranja mecánica se reabre un debate sobre la condición humana que Rousseau, uno de los máximos exponentes de la Ilustración, sintetizó al decir que el hombre es bueno por naturaleza y la sociedad es quien lo corrompe. En cualquier caso, film y novela coinciden en retratar la condición humana como una libertad ética de elección. "Cuando un hombre no puede elegir, deja de ser hombre"1. Las nuevas técnicas de condicionamiento conductual que se aplican al protagonista no hacen sino incidir en la paradoja: deshumanizan al hombre para hacerlo sociable. Por enésima vez (cuestión común en la literatura distópica), el individuo se diluye y confunde en la masa, como los siniestros uniformados que abandonan la fábrica en Metrópolis (Fritz Lang, 1927).

Redundando en la paradoja, Burgess y Kubrick dibujan un panorama confuso en el que acabamos por desconocer quién es la víctima y quién el verdugo, alternando las etiquetas para hacer ver su inutilidad. La narración cíclica proyecta la venganza del tiempo, el equilibrio de la ley del "ojo por ojo": la cárcel y la clínica constituyen el eje vertebrador, fijando un punto de inflexión, un antes y un después. Alex, al retomar su camino, se reencuentra con el vagabundo y con sus antiguos drugos, ahora convertidos en agentes del orden (qué ironía). Malherido llega al hogar del escritor, minusválido por los golpes que el propio Alex le propinó años atrás. A fin de cuentas, el pasado que regresa y proyecta sus sombras, recurso habitual en el llamado cine negro. Sorprende cómo el mismo Kubrick planifica minuciosamente la escena de la segunda llegada al hogar: los mismos encuadres, los mismos ángulos, la misma composición...

Con La naranja mecánica, Kubrick insiste en un tema que a base de repetirlo se convierte casi en leitmotiv de su filmografía: la crítica a la autoridad como fuerza represiva. ¡Con qué facilidad destapa la hipocresía y la hace caricatura! En esta película, la policía usa métodos tan execrables como la barbarie injustificada del criminal. Pero, sobre todo, roza la náusea la manera en que Alex es utilizado (en el sentido literal del término) por los agentes políticos para lograr una imagen específica. En pocas palabras, la autoridad en crisis. Lo vemos en La chaqueta metálica (Full metal jacket, 1987) y, especialmente, en Senderos de gloria (Paths of Glory, 1957) y ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or How I learned to stop worrying and love the bomb, 1964), tal vez la mejor parodia en tiempos de Guerra Fría. De forma algo más tangencial, en Lolita (1962) la autoridad intelectual sucumbe patéticamente ante el deseo pedófilo, el ethos derrotado por el pathos.

El juego bipolar de La naranja mecánica encuentra en el binomio ética-estética otra vía de interpretación. La frialdad ética de Alex tropieza con su ferviente pasión estética: la música. Esa música que convierte a todo film de Stanley Kubrick (pensemos en 2001: una odisea del espacio, 1968) en un universo integrador peculiar; la misma música que, a través de Singin´ in the rain, castiga al paraíso de los años dorados con el infierno eterno.

1 Burgess, Anthony. La naranja mecánica. Barcelona, Ediciones Minotauro, 2008, pp. 86-87.

Ficha técnica:

La naranja mecánica (A Clockwork Orange), 1971

Dirección: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick (Novela: Anthony Burgess)
Fotografía: John Alcott
Música: Wendy/Walter Carlos
Montaje: Bill Butler
Interpretación: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke

Fragmento de Trópico de cáncer


Les invito a leer las siguientes líneas de Henry Miller extraídas de su libro Trópico de cáncer .

El caso es que todas se parecen. Cuando las miras vestidas, te imaginas toda clase de cosas: les confieres una individualidad, que desde luego, no tienen. Lo que hay es una raja ahí, entre las piernas, y te excitas con ella… la mitad de las veces ni siquiera la miras. Sabes que está ahí y en lo único que piensas es en meterla la baqueta dentro; es como si el pene pensara por ti. ¡Es una falsa ilusión! Te consumes por nada… por una raja con pelo o sin pelo. Es tan insignificante, que me fascino verlo. Debí de estudiarlo durante diez minutos o más. Cuando lo miras así, como con distanciamiento, se te ocurren ideas extrañas. Todo ese misterio sobre el sexo y después descubres que no es nada: un simple vacío. ¿No sería gracioso encontrar armónica dentro… o un calendario? Pero no hay nada dentro… Mira, ¿sabes lo que hice después? Le eché un polvo rápido y después le volví la espalada. Sí, señor; cogí un libro y me puse a leer. De un libro se puede sacar algo, hasta de un libro malo… pero un coño es pura y simple pérdida de tiempo…1
1.-Miller, Henry, Trópico de cáncer, p.169.

Miller, Henry, Trópico de cáncer, Punto de Lectura, 2007.

Hornsman Coyote



Directamente desde Belgrado, Serbia, por primera vez en México:

HORNSMAN COYOTE
Este gran trombonista y vocalista del DUB europeo, en 1994, formo la banda Eyesburn. Una banda legendaria que realizo giras por toda Europa y grabaron 7 discos. Al volverse solista, Hornsman Coyote, grabó para muchos productores del reggae, como: Ras Muffet, Jah Works, Repentance music, Paco Ten, Kris Naphtali entre otros.
También, entre sus grandiosos logros, estan sus tracks en los vinilos más vendidos de 12 y 10 pulgadas en 2008.
Ha compartido escenario con artistas como Burning Spear, Dub Syndicate, Lee Scratch Perry,Asian Dub Fundation, entre muchos otros. También ha colaborado con Dubiterian y Zion Train, así como un sin número de artistas en complicaciones.

Su carrera va en ascenso gracias a la gran calidad en sus tracks estilo dub, por los trombones impecables reverberados en la medida justa y su presencia sobre el escenario. Las líricas conscientes expresadas por él, se explayan al máximo dentro el caprichoso margen de la música de raíces.

Los guanabanas (puebla/ver.)
Banda de nueve jóvenes músicos formada en el año 2002 en la ciudad de Puebla. Expresan las raíces de la música Jamaiquina aderezada con un toque del tiempo y espacio que viven como individuos. Ska jazz, Reggae y Dub son las bases musicales de una propuesta poseedora de una fuerte base de bajo y batería, acompañados de una guitarra y teclados que complementan el ritmo y la melodía de la sección de vientos. Sin duda uno de los mejores proyecto de DUB en vivo.

ARTISTAS INVITADOS:
COLECTIVO MOYEMATU (Mor.)
OBHEA SOUND SYSTEM (Ver.)
ENNIO&DOSANTOS (DUB vs JUNGLE)

Dir: Av. Miguel Hidalgo #16 Col. Ocotepec (frente a la gasolinera clausurada).
FECHA: sábado 28 de noviembre
COSTO: $60
INICIO: 8pm
*evento/jardín
*concientiza tu fiesta


http://www.youtube.com/watch?v=yaD2g6kRku8

http://www.youtube.com/watch?v=R7OnOc8yF88

WWW.MYSPACE.COM/KAANSPAAX

WWW.MYSPACE.COM/HORNSMANCOYOTEEYESBURN
--
KAANS-PAAX
educando a través de la música
cel: (044) 7773674308
www.myspace.com/kaanspaax

Gogol Bordello en México.

Puta madre! No me laten los decadentes y ni Gondwana, pero eso no impedirá que vaya a ver a Gogol Bordello.


Gogol Bordello, quien no vino al Vive Latino de este año por la influenza, confirmó su visita a México y estará acompañado de Los Auténticos Decadentes, Gondwana y Polka Madre (éste último sólo en el DF)

Miércoles 18 de Noviembre /// Arena VFG
Viernes 20 de Noviembre/// Palacio de los Deportes
Preventa Banamex 10 y 11 de Septiembre
Venta general a partir del 12 de Septiembre

Festival: Aquí se filmó proyectará películas en espacios de la Ciudad de México donde fueron filmadas



Por segunda ocasión, Circo 2.12 A.C., con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, lleva a las calles, parques y plazas de la Ciudad de México (que en algún momento fueron locación para el rodaje de películas) la segunda entrega de Aquí se filmó, festival que regresa al lugar mismo donde se rodaron los filmes, en funciones gratuitas y al aire libre, con la presencia de actores, directores y equipo técnico.
Este medio día Manuel Zepeda, Coordinador del Circuito de Festivales de la Secretaría de Cultura; Paula Astorga, de Circo 2.12.AC; e Inti Muñoz, Director General del Fideicomiso del Centro Histórico, anunciaron la segunda fase de este festival “que recuerda el enorme set cinematográfico que es la Ciudad de México, de la cual se puede apreciar su transformación a través de las películas que forman parte del patrimonio intangible de los capitalinos”.
“Esta propuesta busca el rescate de esta memoria intangible de la Ciudad de México, a través de un circuito fílmico, que además de ser un homenaje al cine nacional, deja —en cada una de las presentaciones— el testimonio de una placa que recuerda el lugar donde se filmó la película”, así lo señaló este medio día la principal impulsora del proyecto, Paula Astorga.
Durante este segundo ciclo de Aquí se Filmó se presenta una selección de 10 películas que regresarán al origen de su filmación, proyectadas en formato de cine en 35mm, con la presencia de actores, directores y parte del equipo técnico, al aire libre y sin costo alguno, del 13 noviembre al 11 diciembre.
Esta propuesta, aseguró Inti Muñoz, cumple con varios principios fundamentales a la vez, pues a través del arte y la cultura se recuperan los espacios públicos y se generan espacios de encuentro en lugares donde normalmente no existen, y “qué mejor manera que a través del cine mexicano”.
En este sentido, nuevamente el Primer Cuadro de la capital del país volverá a ser escenario, ahora para la proyección de Desiertos mares, en la Plaza Tolsá, el 24 de noviembre, y Él, en “El empedradillo”, ubicado a un costado de la Catedral Metropolitana, el viernes 11 de diciembre.
El Centro Histórico es visitado diariamente por más de dos millones de personas, por lo que es el espacio público más importante del Distrito Federal, y por lo que se espera una gran afluencia durante las proyecciones.
Los organizadores recordaron que el año pasado se celebró con gran aceptación el primer ciclo de Aquí se Filmó, con la selección de once películas que se presentaron en formato de cine con la presencia de actores, directores y equipo de producción, donde más de 50 mil personas pudieron presenciar este espectáculo, cifra que este año se espera superar.
Este 2009, regresarán a las calles dentro películas como: Párpados azules, de Ernesto Contreras; Los Caifanes de Juan Ibáñez; Él, de Luis Buñuel; Lolo, de Francisco Athie; Cilantro y perejil, de Rafael Montero; entre otras. Consultar horarios y cartelera en la página www.cultura.df.gob.mx y en http://aquisefilmo.wordpress.com/

Celebra Berlín 20 años de la caída del Muro

*Una conferencia de prensa precipitó el vuelco en la antigua RDA el 9 de noviembre de 1989


Berlín, 8 de noviembre. Fueron las preguntas del corresponsal de la agencia italiana Ansa, Riccardo Ehrman, las que precipitaron la caída del Muro de Berlín.
Durante una conferencia de prensa encabezada por el responsable de medios de comunicación del Comité Central del Partido Socialista Unificado de Alemania (SED), Günter Schabowski, éste anunció una nueva ley bajo la cual los alemanes orientales podrían salir del país sin visa.
Ehrman preguntó si la nueva ley tendría vigencia para la frontera occidental, a lo que Schabowski respondió: sí, para todas las fronteras. Le inquirió que a partir de cuándo. El señor Schabowski, algo nervioso, revolvió sus papeles y dijo: según lo que tengo entendido, inmediatamente. Sus palabras eran transmitidas en vivo por la televisión de la entonces República Democrática Alemana (RDA) y tuvieron un impacto inmediato. A las 19:05 de ese 9 de noviembre, la agencia Ap anunció: La RDA abre sus fronteras. La noticia prendió como reguero de pólvora por el mundo entero.
El politólogo español Ignacio Sotelo, catedrático de la Universidad Libre de Berlín, quien vivía en la parte occidental desde hacía 20 años, se enteró del suceso por la llamada de una estación de radio que quería entrevistarlo. Mi primera respuesta fue darles las razones por las cuales eso era imposible, afirma.
“Sabíamos que iba a haber cambios importantes y uno clave tenía que ver con una ley para que los ciudadanos de la RDA pudieran viajar a lo que ellos llamaban el ‘extranjero capitalista’, sobre eso negociaban los dos estados alemanes, pues el mayor temor de Alemania occidental era una invasión de dos millones de refugiados en una noche, que hubiera tenido un altísimo costo humanitario y económico para ambos países.
El temor estaba bien fundado. Además, lo que convenía era que una Alemania unida tuviera dos economías que funcionaran, por tanto, yo estaba convencido de que el muro no se abriría, sino que se darían normas para que pasara la gente poco a poco, subraya.
En unos cuantos meses, a partir del verano de 1989, el país perdió 4 por ciento de su población. El éxodo masivo de alemanes del Este, que se refugiaban en las embajadas de Alemania occidental en Budapest, Praga y Varsovia, así como las manifestaciones callejeras, ejercieron una presión creciente sobre el régimen.
El momento crucial fue cuando Mijail Gorbachov advirtió que no habría intervención soviética en ninguno de los países orientales. Las manifestaciones en la Alemania oriental fueron creciendo a partir de octubre y no sólamente no intervino la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, sino que advirtió a Berlín que si había represión militar, Moscú se pondría del lado del pueblo, afirma Sotelo.
La estocada mortal al sistema se produjo el 7 de octubre de 1989, durante las celebraciones del 40 aniversario de la RDA, cuando tuvo lugar una gran manifestación que rodeó el Palacio de la República en Berlín oriental, la cual fue reprimida con violencia.
Decenas de miles gritaban ¡Gorbi, Gorbi, queremos libertad! A los pocos días, Honecker fue obligado a dimitir, había ganado un movimiento popular que no se habría dado si la URSS hubiera querido impedirlo, como lo hizo en 1951 en Berlín, en 1956 en Hungría y en 1968 en Checoslovaquia, recuerda.
El Muro de Berlín fue construido, literalmente de la noche a la mañana del 13 de agosto de 1961 por el politburó de la entonces RDA, para contener la creciente migración de la población germano oriental hacia la parte occidental de Berlín. Aquella línea divisoria de 43 kilómetros de largo, vigilada por soldados fronterizos y tanques de guerra, fue el epicentro de la confrontación entre dos super-potencias e ideologías irreconciliables durante la guerra fría, donde se estima que murieron más de 200 personas durante los 28 años que estuvo en pie.
Las palabras de Schabowski son ahora llamadas el error más hermoso de la historia, pues lo que el politburó quería era abrir una válvula de escape y mejorar su imagen en el exterior, pero de ninguna manera acabar con el muro. Pero aquella noche la noticia era comentada en la radio y la televisión, lo que animó a cientos de miles de berlineses a acercarse y ver que pasaba en los puestos fronterizos, que hasta entonces sólo eran utilizados para pasar de un lado a otro de la ciudad por diplomáticos y privilegiados. La presión de la multitud acabó doblegando a los soldados fronterizos, que no habían recibido instrucción alguna. Las imágenes de miles de personas trepadas sobre aquel paredón, se han convertido en un símbolo comparable a la toma de la Bastilla en Francia o el ataque al Palacio de Invierno en San Petersburgo, que dio inicio a la revolución rusa.
Estos días Berlín celebra aquella fecha que ha marcado el destino de los alemanes y ha levantado el muro de nuevo, pero con gigantescas y coloridas fichas de dominó colocadas a lo largo de dos kilómetros por donde pasaba la muralla de cemento. La fila de mil fichas se desplomará aludiendo al efecto dominó que provocó su caída, el 9 de noviembre de 1989, que no sólo dio paso a la reunificación alemana, sino también marcó la muerte de una utopía, para muchos pesadilla: el fin del comunismo y el desplome del imperio soviético.

Fuente: Usi, Eva, La Jornada, Celebra Berlín 20 años de la caída del Muro, 9 de noviembre 2009.

Documental: Skateboarding en Cuernavaca, Morelos.

Les presento el siguiente trabajo de mi camarada pepito, documental que desde mi punto de vista es muy bueno, los elemento que en el se hayan son excelente.
El documental muestra la opinión y la realidad social de los skates al mismo tiempo que
se expresa la represión por parte del Estado ante este deporte.
Sin más se los dejo.
Está dividido en dos partes.
Cortesia de TOTEMSK8.




Indepedencia y Revolucion




Se les hace una atenta invitacion a los siguiente eventos que realizara la Academia Mexicana de la Historia, ojala que un blogger que nos visite se anime a ir.

Tercer encuenro cultural Tepoztlan 2009


Morelos unos de los estado jovenes de la republica mexicana, tiene muchas tradiciones pero una de las que mas enmarca es el baile del chinelo, o mas bien conocico como el brinco del chinelo, por eso el el pueblo de Tepoztla se dara un encuentro cultura, dandole el realse al brinco de chinelos, espereo que puedan darse una vuelta.

4° Festival Internacional de Cine Documental en la Ciudad de México.‏

Espero y
asistan.
http://www.docsdf.com/
att: zmorf

La última leyenda del rock

Kurt Cobain, líder del grupo Nirvana durante un concierto-
Por: KEITH CAMERON 16/10/2009

1989. Una banda ignota de Aberdeen graba con 600 dólares un álbum de debut, Bleach, que cambiará la historia de la música. 20 años después, los protagonistas revelan su génesis.

La pequeña casa de madera del 4.230 de Leary Way NW, en un barrio residencial de Seattle, no parecía el centro de una revolución. Pero un letrero confirmó a un veinteañero Kurt Cobain que era Reciprocal Recording. Aquí los grupos locales Green River y Soundgarden grabaron, para el sello indie Sub Pop, sus primeros discos, piedras angulares del estilo que cambió la música del final del siglo XX. El 23 de enero de 1988, Jack Endino, productor de esos discos, tenía un compromiso: grabar una maqueta para unos chicos de Aberdeen, un sombrío y aislado puerto maderero de 16.000 habitantes a 133 kilómetros de Seattle, en la costa del Pacífico. Uno de ellos, Cobain, había llamado para reservar diciendo que era amigo de Dale Crover, de The Melvins, quien tocaría la batería. The Melvins era el único grupo de renombre que había salido de Aberdeen, y a Crover se le reverenciaba. Por él, Endino aceptó la reserva, por lo demás poco prometedora. La banda ni tenía nombre.
En cuanto empezaron a trabajar, Endino se dio cuenta de tres cosas. La primera, lo alto que era el bajista Chris Novoselic (no empezó a llamarse a sí mismo Krist hasta 1993). La segunda, lo serio que era el cantante y guitarrista Cobain. Parecía muy joven, era muy tímido, y no daba muestras del típico ardor de las estrellas de rock. Pero claro, Nirvana venía del quinto pino. Si Seattle estaba aislada, Aberdeen estaba fuera del mapa. "Eran ingenuos y no se lo tenían muy creído", dice Endino. "Un grupo que crece en una zona rural, no recibe ningún refuerzo positivo por lo que hace. No hay bares donde tocar, ni conciertos, ni público; tienen que disfrutar de verdad y ser muy decididos". La tercera observación de Endino se produjo más o menos a los 71 segundos de empezar a grabar la voz de Cobain en una canción llamada If you must. "¡Vaya!, pensé. Este tipo tiene un grito genial, algo muy valioso en el rock and roll". En ese momento, nadie imaginaba hasta qué punto.
Kurt Cobain, Chad Channing y Chris Novoselic, primera formación del grupo Nirvana que grabó Bleach-

No había muchos artistas locales de los que Jonathan Poneman, socio de Bruce Pavitt en el sello en ciernes Sub Pop, no hubiese oído hablar. Así que cuando Endino mencionó al tranquilo con una voz increíble, Poneman se sintió lo bastante intrigado como para conducir hasta Reciprocal y hacerse con una cinta. En la etiqueta ponía "Chris, Dale y yo", aunque el grupo ya se llamaba Nirvana. Poneman empezó a escuchar la casete en el viaje de vuelta. Al cabo de unos 71 segundos oyendo If you must, su mandíbula casi golpea el volante. Entonces empieza este gran grito catártico y luego el estribillo, que no tiene mucho de estribillo. Me quedé pensando: "Oh... Dios mío".


Poneman organizó una reunión con Cobain y Novoselic para proponerles que Nirvana grabase un sencillo para Sub Pop. Planeó su primer concierto para el 24 de abril de 1988, como parte del espectáculo Sub Pop Sunday en la discoteca Vogue. El público estaba compuesto en su mayoría por músicos de Seattle que tenían curiosidad por comprobar cómo eran.

Lo que vieron fue a tres jóvenes nerviosos y de aspecto dispar. Novoselic, Cobain, de expresión lúgubre, un zurdo que tocaba una guitarra para diestros cogida al revés. Lo peor, el batería Dave Foster (otro oriundo de Aberdeen) llevaba bigote. La movida punk rock de Seattle era tolerante, pero los bigotes poseían unas inaceptables connotaciones de macho. "Nirvana se pone a tocar", recuerda el batería de Mudhoney, Dan Peters. "¡Menudo sonido de mierda! Acto seguido, llega el tipo del sonido presa del pánico, enciende la mesa de mezclas y los altavoces y, de repente, es como una explosión. Y ellos no tienen ni idea de lo que está pasando". Nirvana había subido al escenario a la hora prevista, sin tener en cuenta que la sala no estaba preparada. "Cualquiera que diga que vio ese espectáculo y supo que iban a ser grandes, miente", afirma Mark Arm. Poco después, Cobain hablaba de la actuación en una carta nunca enviada a Dale Crover. "Había un representante de cada grupo de Seattle observándonos. Nos sentíamos como si sólo les faltase ponernos nota".
Kurt Cobain en un concierto de la época de Bleach-

La siguiente vez que Endino vio a Nirvana fue el 11 de junio de 1988, cuando el grupo llegó a Reciprocal para grabar su sencillo de debut para Sub Pop: una versión de Love buzz, del grupo holandés de los años sesenta Shocking Blue. Les acompañaba un nuevo batería, Chad Channing, de Bainbridge Island, un barrio residencial de Seattle separado del centro por un viaje en ferry, Channing encajaba en el perfil del grupo tanto por su alejamiento geográfico como por su aire de pirado; Bainbridge Island tenía una pésima fama por sus profundas raíces hippies.

Novoselic había descubierto la canción en un disco en oferta y pronto se convirtió en éxito del directo. La idea de convertirla en la primera publicación del grupo fue de Sub Pop. "Al no tener otras ofertas, Nirvana se avino a ello", dice Endino.

A Cobain lo que le cabreó fue el retraso en la publicación del disco. Sub Pop se había convertido en una empresa legal el 1 de abril. Para aumentar las ganancias, idearon el Sub Pop Singles Club, en el que los suscriptores pagaban por adelantado por una serie mensual de sencillos en edición limitada. El primero fue Love buzz/Big cheese, en noviembre de 1988, e inmediatamente se agotaron las 1.000 copias. Para entonces, los prescriptores como Mark Arm eran fans. "Lo primero que llama la atención es la voz de Kurt", afirma Arm. "Tiene esa cualidad indefinible".

Pero el ambicioso Cobain se sentía resentido. "Teníamos la impresión de que no conseguíamos nada tocando en clubes", escribía Cobain en otra carta no enviada, esta vez a Mark Lanegan, de Screaming Trees. "Sub Pop está teniendo problemas económicos y la promesa de un epé y un elepé en el plazo de un año no es más que una excusa chorra de Jonathan para evitar que tanteemos a otros sellos. Ocho meses después, por fin hemos sacado un maldito sencillo. Hemos enviado la maqueta, pero nadie ha respondido". Nirvana dudaba lo bastante del sello como para reservar tiempo en un estudio para grabar su debut con su dinero. Pero, conscientes de que ningún otro sello se había interesado en publicarles, también terminarían por abordar a Sub Pop y exigir un contrato.

Con un nuevo contrato, Nirvana decidió dedicarse a la música. Novoselic dejó su trabajo como pintor industrial y se había separado de su novia. Hacía maratonianos viajes de ida y vuelta en su furgoneta para recoger a Cobain en Olympia, luego a Channing, en Bainbridge Island, y volver a Aberdeen, donde ensayaban en una habitación que estaba encima de la peluquería de la madre de Chris.

Y así fue como el grupo se presentó en el estudio el 24 de diciembre de 1988. La grabación y la mezcla se realizaron en seis días y quedaron rematadas el 24 de enero de 1989. "Kurt escribía las letras en el último minuto", cuenta Novoselic. "Yo iba a por cerveza; luego terminábamos los temas y las voces, y a mezclar".

Endino les cobró 30 horas de trabajo, 606,17 dólares. Ser capaces de hacer un disco tan barato era motivo de orgullo. No tenían un céntimo, pero estaban decididos a pagarlo. Lo hicieron gracias a Jason Everman, un guitarrista antiguo compañero de colegio de Channing. Everman había ganado dinero como pescador en Alaska y se ofreció a cubrir los costes. Consideró que su jugada era, además de altruista, una inversión. Para agradecerle que les hubiese prestado el dinero, pusieron en la contraportada que había tocado la guitarra (no lo había hecho); hasta aparecía en la foto de la portada.

En el disco destacaba una canción, About a girl. Destacaba tanto que Cobain le pidió disculpas a Endino por ella. "Kurt decía cosas como: vale, para que todo el mundo lo sepa, es posible que también haga más cosas como ésta en el futuro. Era divertido el modo en que me la presentó: ahora voy a hacer una canción pop, ten paciencia conmigo? Y claro, yo sólo soy el tipo del estudio: ¡Vale, lo que sea, desde luego! ¡Genial! ¡Bonita canción!", dice el productor. "Kurt se sentaba dentro de la bañera y escuchaba Meet The Beatles", recuerda Novoselic. "Decía que había comprendido a The Beatles; lo que él pensaba que era esa fórmula".

En febrero de 1989, el grupo emprendió una breve gira (su primer viaje por carretera más allá del Estado de Washington). Mientras conducían por San Francisco, Cobain y Bruce Pavitt se fijaron en el cartel de una campaña de prevención del sida que instaba a los consumidores de drogas a "Bleach your works" (algo así como: "desinfectar las jeringas"). Serviría de inspiración para el título del disco: Bleach [lejía].

Bleach fue publicado el 15 de junio de 1989. Para entonces, Nirvana era un cuarteto: Jason Everman se había unido al grupo en febrero como segundo guitarrista. Pero sólo ocupó ese puesto cinco meses. Durante una agotadora gira por EE UU para promocionar Bleach, la relación se fue volviendo cada vez más tensa. En Nueva York, Cobain y Novoselic decidieron que Jason tenía que marcharse. Cancelaron la gira y emprendieron una vuelta de 50 horas por carretera. "La furgoneta seguía adelante. Y eso fue todo. Era como si se sobrentendiese que aquello ya no iba a repetirse. Nunca recuperó su dinero", reflexiona Novoselic.

Bleach es el disco de más éxito publicado por Sub Pop: más de 1,7 millones de copias vendidas. Las modestas ventas iniciales se multiplicaron gracias al impacto de su sucesor, Nevermind. Endino calcula que los 330 discos que ha hecho desde Bleach juntos no han recibido tanta atención. "Estoy contento de que suene tan bien teniendo en cuenta que sólo gastamos 600 pavos. Si sonase fatal, estaría muy disgustado, ¡Iggy Pop me dijo que era su disco favorito de Nirvana! Con eso me basta". Novoselic, ahora un activista político, escritor y músico ocasional valora el disco que él y sus amigos hicieron hace 20 años. "Es la quintaesencia del grunge", afirma, "pero tiene una sensibilidad pop que revela hacia dónde se dirigía el grupo. Eso es oficio para hacer canciones. Y es un tributo a Kurt Cobain, su visión y su habilidad como artista. El disco es su herencia".
La edición 20 aniversario de Bleach (que incluye un directo inédito) se edita el 3 de noviembre en Rhino.

Bastón-Vieja Guardia All Stars,

Les dejo el siguiente disco, el cual conocí al calor de una peda y del rol de los flavios, la letra de EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS me impresionó, es muy original, y por esos se lo dejo ahora..
Le agradezco a pepito su aporte.


INTRO
1.-BOMBORO
2.-LATINO
3.-EL PAIS DE LAS MARAVILLAS
4.-GANGSTA SHIT
5.-TEMPORADA DE HURACANES
6.-FUMA MOTA
7.-VIDA DE MC
8.-CUIDADO CON EL PERRO
9.-WISHING UPON STAR
10.-LO QUE + ES - ES
11.-INTERLUDIO
12.-MOVE
13.-VENENO PARA LAS ESTRELLAS
14.-A VARO
15.-UNA VIDA
16.-OLVIDALO BONITA
17.-BACHATA RAP
18.-BONUS
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Bastón-El país de las maravillas.

CHICHIMECA

CHICHIMECA es una banda que mezcla:Folk, rock y acústico.
La temática y el sonido de estilo latinoamericano hecho en Italia

Chichimeca - Luce-Nur (2005)

Luce-Nur - 4:02
Dall'ombra - 4:45
El Aparecido - 3:23
Despedida - 4:05
L'Addio - 2:15
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Chichimeca - Barbari (2003)

1.: Viola
2.: Sparire Per Un Po'
3.: Ramona
4.: Que Viva Mexico
5.: Valse Di Frida
6.: Autoritratto
7.: No Te Enamores
8.: Oggi E Natale
9.: Senor Comandante
10.: Mira Que No
11.: La Nave
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http://www.myspace.com/musicachichimeca

CHERRY POPPIN' DADDIES

Buscando en la compu de mí brody encontré una banda que no había oído y que tal sonido me dejo atónito, ya que dicho sonido emana mis recuerdos de los pachucos, muchos de ellos de origen afroamericanos, mexicanos y en una minoría los norteamericanos.
Bueno aquí se los dejo.

A mediados de los ‘90, la aparición de grupos como Cherry Poppin Daddies , los Squirrell Nut Zippers , provocó en los Estados Unidos, el augerevivalista del Neo-Swing. Se trata de grupos que con una estética anclada en los ‘40 y los ‘50, ganaron cierto espacio en las pantallas de MTV y provocaron el regreso del swing a las pistas de baile.
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Los Cañeros Del Zacatepec

Henry David Thoreau

Blek le rat

Banksy

Jean Saudek

Don Jack Kerouac

Don Jack Kerouac

Fotografías de Rotten Apple

Rubén Olivares "El Púas"

Don Miles Davis

Egon Shiele

Raúl Macías Guevara "El Ratón"

Oswaldo Guayasamín

Obra de Juan Carlos Mendez

Gral. Emiliano Zapata

UFM Alterna

UFM Alterna
Radio de la UAEM (Morelos)

Radio UNAM

Don Julio César Chávez

Santa Maradona!!

Santa Maradona!!

Don Blue Demon

Sin Banderas ni fronteras.

Sebastiao Salgado

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